2013年8月18日日曜日

伊丹市立図書館ことば蔵「Zineフェス2013」に行ってきました。



こんにちは

夏休み(盆休み)もいよいよ終わり、月曜日から仕事に戻る方も多いことでしょう。というわけで、しばらくお休みしていた「クリエータ入門講座」も週明けよりぼちぼち再開することにします。

と、その前に、今日は、伊丹市立図書館「ことば蔵」さんで開催されている「蔵Zineフェス2013」を少し覗いてきたのでレポートを。



蔵Zineフェスの様子は
https://www.facebook.com/kotobagurazine

昨日は、DANTALIONの堺さんも参加でイベントがあったようですが、今日は通常日だったので、落ち着いた感じの中で見て回ることができました。

けっこう熱心にZineを読み漁っておられるお姉さんがいたので、邪魔にならないようにこそこそと(笑)


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ことば蔵に入ると、けっこうすぐこの棚があります。ここには図書館でのワークショップでみなさんが作ったZineがきちんと並べられていました。

ワークショップでの製作なので、「表紙がおんなじ」Zineもたくさんあるのですが、中をめくると全部違いますので、スルーせずにいろいろ読んでみてください。

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Zineフェスのブースはこんな感じ。出品者ごとに分けられているブースもあれば、いろいろ飾ってあるブースもあります。

全国のZine製作者さんのZineが手にとって読めるので、面白いです。

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ブース(棚)の中はこんな感じ。けっこうたくさん詰め込まれています。すべてのZineに「ことば蔵」さんの蔵書印が押されています。

基本じっくり手にとって読めるので、Zinepicnicの立ち読みのような感じでしょうか。図書館なので、静かなのもGOODかもしれません。

ちょうどこの棚の左のほうには、海外の製作者さんのZineが並んでいたので、面白かったです。





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さて、ここからは評価のコーナー。例のごとく辛口でいろいろ書きます。

①「ワークショップZine」と「Zine作家さんのZine」の差の正体。

実際に読み比べてもらうとわかるのですが、入り口近くの「図書館へ来たみなさんがワークショップで作ったZine」と、「全国から公募されたZine」の中身やクオリティがまったく違います。

Zineは初期衝動、なんて言ったりするので、「Zineを作る!という感情が爆発した何か」には本来はパワーがあるのですが、やはりそれを短い時間のワークショップでまとめるには限界がある、ということもわかります。

(もちろん、ワークショップ作品の中に、すごいもの、いいものもありますが、よく見るとちゃんと素材を事前に準備してきておられたり、何がしかの下ごしらえがあることがわかります)

個人的には、「Zineを作り続ける意味」はここにあるのかな、と感じました。つまり、何冊か作っていくうちに確実に上がる「クオリティと伝達力」がある、ということ。初期衝動の爆発力は薄れていくかもしれませんが、伝えようとする「コミュニケーション力」は上がっていく気がします。


②そのZineは「何秒持ちこたえられる」のか。

展示されているZineは、パラパラとめくるとあっという間に読み終えてしまうものが大半です。それは文字の分量等に関わらず「ああ、こういう感じのZineね」とまさに流し読みで終えることができるからです。

このブログでは今「クリエータのためのヒント」についてずっと考察していますので、そういう意図で語るとすれば、「読み手が何秒持ちこたえるか」を意識してZine作りをすることは、ものすごくいいトレーニングになると考えます。

たくさん文章を入れ込めばいいのではありません。その場合持ちこたえないZineは、文章すら読まれずに次のページに飛ばされることでしょう。

文字の量、絵の量などではなく、結局はコンテンツの質です。

特に、ワークショップ作品のZineでは、あっと言う間に読めるものと、「めくる手を止めさせられるZine」に分かれます。その差は、Zineにこめられたコンテンツの内容そのもののよしあしなのでしょう。

具体的には、ただ形態だけのZineは10秒で読み終えられます。それが15秒になったり、30秒になったり、1分かかったり、いろいろ変化が現れます。

どれだけ読み手の時間を奪えるのか、という観点はクリエータにとって最も大事なポイントのひとつだと思います。

③ポストZineのビジョン。


1、 ワークショップでZineを作ってみる。そして「ああ、自分でも作れるんだ」という気付きを得ます。
2、次に、自分でZineをいくつか作ってみて、交換したり公開して外部へ発信してゆきます。
3、さあ、そしてそれからどうするの?

1段階と2段階のZineはたくさん見つけることができますが、さあてその次、その上ってなんだ?と考えるとこれはZine製作者たちの間でも、悩んだり迷ったりしているのが現状です。

印刷所に出して「リトルプレス化」する人、リソグラフを使うなど「技法にこだわる人」、製本方法にバリエーションを持たせる人、など、『次のZine』を模索している作品も、いくつか展示されていました。

もちろん、正解があるわけでもないし、進むべき道も未知数なのが現実です。

クリエーターをめざす中で、「次のZineをどうする?」「Zineの次をどうする?」を模索することは、避けては通れない道だと思うのです。


2013年8月16日金曜日

【松尾バイトの「クリエータ入門講座」夏休み編2】 しょせん、遊びなのか?



 こんにちは。

 講座はまだ夏休み中ですので、しょーもない話をぼんやりと書きましょう。

 今日、面白いブログ記事をみつけたので、紹介します。


 文章で飯を食っていくということ(本とebookの公園さんより)


 あれ?また講座本編でやったような内容かな?と思った方。今日は肩の力を抜いて大丈夫です。

 記事の執筆者さんは、紙媒体の出版から電子書籍まで、仕事でからんでこられた方なので、話がリアルで面白いです。

 


 さて、内容のおさらい。

 最初は、「出版業界」なるものと「電子書籍業界」なるものを比較しながら、そもそも「電子書籍業界」があるのか?というお話ですが、徐々に、

 紙ベースの時の書き手は食えたけれど、電子ベースになると食えない

という話へ移っていきます。なあるほど。


 雑誌などが売れていた時代は、ざっくり記事一本が10万~20万になったけど、電子ベースだと一本1万~2万だから大変ッス。ということなんですが、注目はその後です。

 書き手にお金を払うのとグーグル(広告)に払うのとどっちがコスパに優れるか

という議論。これは、ガツン、とやられますよね?

 雑誌というのはご承知のとおり、広告宣伝がないと成立しません。だとしたら広告の載った雑誌を買ってもらうために、ライターを育てるか、それとも、グーグルややほーに任せるか、という議論なんです。

 これは紙がどうとか電子がどうとか、そういう低レベルの議論をぶっ飛ばして、ガツン!です(笑)。

 こりゃ負けるよね。って感じ。

 記事の後半は、フリーランスの話やセルフパブリッシングの話にもそれとなく触れておられるので、ご興味のある方はじっくり読んでください。



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おなじ現象を、まったく逆の面から捉えている方もおられるので、そちらもご紹介。

こちらは有名なちきりんさんの日記から

低価格ジョブは民主的な市場に不可欠

こちらは、ネット上の記事執筆が1万~2万だというおなじ事実を、別の視点から捉えておられます。

プロのライターは食いっぱぐれるかもしれないが、素人ライターが参入できる余地が増えた!

という見方で肯定的に見るわけです。

 このブログの読者さんは、どちらかと言えば、マジなプロではなく、素人寄りでしょうから、ちきりんさんの見方をすれば

 アナタ・ワタシにとって、チャンスの時代到来!

と読み取ることもできますね。




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 こうした議論の中で、私個人は両方とも正しいと思っています。プロの書き手の世界の裾野が広がり、書くことだけで食べていくのは難しくなる。その代わり、マジなプロも、素人まがいも、カオスな中で記事が生み出されてゆく・・・みたいな感じでしょうか。


 それが紙メディアであるべきか、電子メディアか、という議論より、もっと大事なことを少し話します。

 それが、前回のホイジンガのおっさんの理論とも関係あるのですが、

 ホイジンガ曰く、人にとって大事なのは遊ぶことなわけですから、


 結局、暇つぶしの時間にナニをいじるか

ということが極論なんだと思うのです(爆笑)

 暇つぶしに雑誌を買っていた時代から、暇つぶしにテレビがとりあえずついてた時代を経て、暇つぶしにネットサーフィンしたり、暇つぶしにツイッターみたり、暇つぶしにモ○ゲーしてる時代を生きてる、ってことです。

 ホイジンガのおっさんの言うとおり、暇つぶしの遊びの時間をどう費やしているかが変動するだけで、そのときウケた業界は成長し、変化によって衰退するまでのことなんです。


 その時代に応じて、人々の手には、暇つぶしできるツールが与えられてきました。そして、そのツールを生き生きと使って、暇をつぶしてきたのが現代人です。

 まさにホモ=ルーデンスですね。

 創造的活動とは、ある意味、面白そうな遊びを提案する、ということでもあります。

 ゲームクリエーターなんて大層な名前で呼ぶとかっこいいですが、暇つぶし製作者でもあるわけで(苦笑)

 だったら、創作が芸術だとかなんだとか大げさに考えないで、肩の力を抜いてゆるーく向き合ってみるのもいいかもしれません。

 所詮は、お遊びなんですから(笑)




2013年8月7日水曜日

オンリーフリーペーパーさんの閉店について

関西は、夕立の雨上がりですが、こんばんは。

 今日は、zineについての思ったことをさらさらと。

 まず、先日からの大きなニュースは、やっぱり「オンリーフリーペーパー」さんの実店舗(渋谷パルコ)が8月11日をもって閉店、という件だと思います。

 Only Free Paperさんのニュース

 フリーペーパーの専門店、という他ではありえない着想と、紙モノ好きにとっては「気になって仕方ない店」として頑張ってこられたことに敬意を表しながら、個人的には

いやあ、結局一回もいけなかったぜ

という残念無念な感じなのですが(苦笑)


 さて、今年は、これまた唯一無二のzine専門店「Books DANTALION」さんの実店舗閉店なんかもあったりして、こちらはけっこうお邪魔していたので、zineファンとしては「ああ、居場所に近いものがひとつ消えたなあ」とかなり残念だったわけで。


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 しかし、逆に言えば、ここらでしっかり考え直さないといけない時期に来ている、とも思います。

 つまり、上の先駆的な両店が「店じまいをする」ということはどういうことか、問い直す必要性ですね。


 旧来型の店舗として扱うには「zine」も「フリペ」も、結局おそらくそぐわない、のでしょう。

 それを単純に「儲からない」という言葉でくくるのには御幣があって、

 そもそも両者とも「儲けるつもりで店舗を出したわけではない」からで、そこらへんはいろんな角度で読み解かないと、答えはでないと思うわけです。


 もうひとつ現象として私がずっと気にしているのは、「やっぱりzineの作り手が、一周したら減っていく」という点です。

 私は2011年からzineに絡ませていただくようになりましたが、その頃とても面白いzineを作っておられた方で、今もおなじようにコンテンツを出しておられる方、というのはかなり少ないです。

 つまり、数号出された時点で、自然に休止もしくは卒業なさっていくzine作家さんが多い、ということでもあります。

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 このあたり、zineもフリペもそうなんですが、「最初は面白くて楽しい」のだけれど、「きちんとした仕組み」(つまり、お金の面も含めて)として回っていかない、ことに課題があるのではないでしょうか。

 儲ける必要は全くないものの、持ち出しばかりでペイしないメディアであるため、最後は作り手のモチベーションと体力勝負にならざるを得ないところが、いいのやら悪いのやら。

 だからこそ、zineやフリペに見合った新しいビジネスモデルというか、「ぴったり息のあう仕組み」みたいなものが何かないかなあ、とずっと考えているわけです。

 「zineは旧来のメディアに対抗しうるカウンターカルチャーだ」

なんていう言い方をする人もいますが、

 いやいや、どっちにしても紙メディアは落ち込んでますよ

というオチではどうしようもありません。


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私は、個人的には紙メディアは「ハードウエアであり、ソフトウエアである」と思っています。

いろんなメディアがある中で、「再生機材を必要としない、それだけで再生可能なメディア」というのは、やはり紙のよさだと。

その上で、電子工学的にいえば「ハードウエア設計と実装、ソフトウエア設計と実装」がわりと簡単に効率よく、効果的にできるのはすごいことだと思うのです。

 
このあたりをうまく生かしていけば、まだまだ粘りがあると思うんだけどなあ・・・。


みなさんのご意見、ご感想をお待ちしております。

2013年8月5日月曜日

【松尾バイトの「クリエータ入門講座」夏休み編1】 人はなぜ創作するのか クリエイティブに生きたい理由





 こんにちは


 前回までの「クリエータ入門講座」第一章が一段落したので、後期へ移る前に、少し四方山話をしておこうと思います。





 そもそも人が「創作をする」「クリエイティブなことを行う」というのは、「なぜ」なのでしょう。


 みなさんは、自分がモノづくりに傾倒している理由、について自問してみたことがありますか?


 



 私の場合は、とにかく小さい時から、自分(の中の何か)を表現することが好きだったように思います。




 幼稚園へ入る前の年(私の地域の幼稚園は1年制でしたから、5歳の時ですね)、MBS毎日放送ラジオの「MBSヤングタウン」という番組に電話出演して、「今度家族で旅行に行く」という話を嬉しそうにパーソナリティに話している録音が残っていますから、当時はとても喋るのが好きな子供だったのでしょう。


 当時のラジオ放送がテープに残っているのですが、あのねのねの原田伸郎さんと大津びわ子さん相手に、いっちょ前に好き放題喋っているのが、面白いやら恥ずかしいやら。



 昭和50年代のヤンタンといえば、一世を風靡したラジオ番組ですので、それはもういきなりメジャー体験をした、と言っていいかもしれません。


 恐らく、MBSの放送史の中でも、最年少に近いラジオ出演だったのではないでしょうか。


 

 そんな私は小学校に入ると、小説ばかり書くようになりました。もちろん、本を読むのが好きだったのは間違いないのですが、その当時の私にとって「書く」という作業は、お金がかからず、設備投資が全くいらない創作術だったのです。


 後に私は映像作品をたくさん撮るようになりますが、これは社会人になってお金ができたから可能になったわけで、カメラや機材にお金がかけられない間は、やっぱり書くことしかできなかったように思います。


 大学生になると、ギターを弾いたり、音楽という表現方法にも触れるようになります。このあたりは、今にも繋がっています。


 

 しかし、方法は何であれ、とにかく私は「表現がしたかった」のには間違いないと思います。


 でも、一体なぜ?なんのために表現したかったのでしょう。




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小中学生の頃、私は「作家というものは自殺するものだ」と勝手に解釈していました(笑)


太宰治じゃないけれど、作家の究極形はやっぱり自分と極限まで対峙しての自殺だよね、となんとなく思っていました。


今となっては「なんで死ななあかんねん!」と一笑に付してしまうところですが、子供ながらに、文筆を通じて人の極限の姿を追求してしまったら、そこにある種の限界点のような恐ろしいエリアがあるのではないか、と怖がっていたのかもしれません。


あるいは、今でも三島由紀夫の死に、そうした何かを解釈する向きもありますから、一概に「作家たるもの自ら死すべし」というのは、ハズレでもない気がします(苦笑)




それはまあ、置いておくとしても、死という視点は、悪くないと思います。つまり、創作とは「自分の生の証を残すこと」という側面が大きいからです。


長い人生を歩んでこられた老人が、自分史を残したいと思ったりするのもそれですね。


歴史上有名な建築物が「あれは○○という江戸時代の有名な大工が建てたんだ」なんて、今でも言われたりするのもそうです。


人は必ず死にますから、それまでの間に、生きた証としての何か創作物を残したい、というのは本能的なものかもしれないですね。


芸術家を自称する人たちが、「自分が生きている間に理解されなくてもいい」なんて思うのも、死後の作品を意識しての発言だと思います。





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また、創作には「あるべき自分の姿と、現実の自分の姿のギャップ」という視点も必要です。現状に完全に満足している人よりも、自分の状況に不満がある人の方が、創作的であるかもしれません。


それは、現状を打破するための湧き出す力が、作品にこもっていることがあるからです。


「社会的な自分はこんなんだけれど、創作的な自分にはこれだけの力がある」


という怨念めいたものが秘められている場合もあるでしょう。


 会社勤めをしながら、創作に励む人が多いのもそうした理由があると思います。日常は抑圧されていても、創作の時間だけは自由になれる、という幸せだって、全然OKですよね。



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「創作」=作るという現象を考えたときに、一度概論を知っておくほうがよい学問があります。


 大学生だった人は、一般教養の授業で習ったことがあるかもしれませんが、高卒の人と専門学校卒の人は、おそらく知らないと思うので紹介しておきます。


 ヨハン・ホイジンガというオランダのおっさんが唱えた理論に「ホモ・ルーデンス」という考え方があります。


 ホモ、といっても性的な意味ではありません(笑) ホモ・サピエンスとかのホモです。つまり、ヒト。


 

 ホイジンガのおっさんは、ヒトというのは仕事としてのモノ作りよりも「遊び」を前提に何かを起こす、と考えました。


 つまり、ホモ・ファーベル(作るヒト)よりホモ・ルーデンス(遊ぶヒト)という存在を根っこに捉えたのです。



 ホイジンガ的に考えれば、私たちが創作する理由は「なんてったって、面白いから!」でもあります。


 生産的でなくても、お金にならなくても、楽しいから作ってしまう、という部分は確かにあります。


 それが成果に結びつかなくても、夢中になって作ってしまうのも、創作の重要な部分です。





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 いろいろ考えてきましたが、みなさんは「なぜ」クリエイティブなことに夢中になるのでしょうか?


 あなたが創作する理由をぜひ、教えてくださいね。


2013年8月1日木曜日

【松尾バイトの「クリエータ入門講座」10】 クリエータとして食べていくということ



こんにちは

 人生は早いもので、この「クリエータ入門講座」も、あっという間に10回目を迎えました。

 第1回から今日までは、ざっくりと言えば「概論」みたいなもので、そろそろ次回あたりからは実践編に入りたいなあ、と思っています。

 当連載ファンの方は、ご期待ください。


 さて、まず最初のネタは、この講座の第4回で触れたハリーポッターの作者さんの件の続報です。

 「ハリポタ」作者ローリング氏、男性作家になりすました理由を吐露

 J・K・ローリングさんが、なぜ知られていない別名で小説を書いたのか、というお話。本人から回答があったのでぜひ、引用させてください。

 『ペンネームのことだが、この新しいジャンルで初心に戻ることを切望したためだ。誇大広告や期待のないところで仕事をし、完全にありのままのフィードバックがほしかった。それはすばらしい体験だったし、もう少し長くこのままでいたかったと望むばかりだ』

 
 ・・・同感です。そうなんです!ころころ名前変えるのはすばらしい体験だと!(←そうじゃない)

 というわけで、私も常に初心忘れずに頑張ります。




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 さて、今日の本題。今日は、クリエータとして食べていくということについて、考えてみたいと思います。

 「いやいや!ワタシはそんなクリエータだけで一本立ちできるなんて思ってないし!」と謙遜なさっている方!

 大丈夫です。私もあなたがクリエータだけで一本立ちできるなんて思っていません。キリッ。(笑) 

 と、まあパタリロに出てくるようなキツイ冗談はさておき、クリエータ職というものの現状も、ちらりと覗いておきませんか?

 
 とてもわかりやすく書いて下さっているブログがありましたのでご紹介します。

 『小説家では食べていけない現実』(ミステリー作家 戸松敦矩 あさっての日記)より

 2012年の記事ですが、プロの作家さんによるリアルな考察がとても興味深いです。

 
 記事から概略を読んでみましょう。

 ○プロの漫画家さんの平均年収は、だいたい500万円くらい。

 ○プロの作家さんで、年2冊ペースで刊行なさる方の年収が380万円くらい。

 ○アニメ原画担当の方で、年収200万円くらい。

 
 ごくごく一部の裕福な作家さんがいて、大半はふつうのサラリーマン以下の収入のちょっと貧しい作家さんで、それより多くの兼業作家さんがいる、という実態について教えてくださっています。

 

 さてさて、小説でも漫画でもそうですが、毎年たくさんの方が新人賞を獲って世にデビューなさいます。そして、同時に、同じかそれ以上の人が ひっそりと消えていくというわけで、出版不況なんていわれるように、消えていくほうが多くなきゃ市場は右肩上がりのはずです。そう、基本的には、みんな消 えていく方向にゆるやかに向かっているわけです。

 
 じゃあ、こう考えればいいじゃないか!とひらめいてみましょう。プロの作家と言われる人たちであっても、その半数近くの人は、別の仕事でお金を稼いでいるという事実があるわけですから、

 『自分の収入の半分以上を小説・漫画で稼いでいる人がプロで、半分以下ならアマチュア』なんて区分けはナンセンス

だということがわかります。



 つまり、『一度でも小さくデビューしたら御の字』だと割り切って、のびのび創作に励むこともこれまた現代に合った生き方なわけで。

 だからこそ、ふだんの仕事での充実と、創作活動の充実を図ることが一層重要になってくるのだと思います。

 実際、私はそういう感じで生きてます(笑)。本業の会社員に軸足を置いて、もう一方は自由な創作活動を楽しむスタイル。

 もちろん、「お前の生き方なんてどうでもいい、そこで小さくうずくまってろ!」と罵倒なさる方もおられると思いますが、その人にはぜひ頑張ってこの世の荒波を渡りきって欲しいと心から応援します。



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プロのクリエータとして自立して生きていく、ということがどういうことかを知るには

○「フリークリエイターになりたい人の独立ガイド」

○「クリエータが独立して会社を作るのに1円起業は有効か」

などもとても面白いです。

 プロになればなるほど、創作者としてより経営者としての手腕が問われることがよくわかりますね。


 プロクリエータ志望者の方が、ざっくり見ておくとよいサイト

 ○クリエイティブ ビレッジ

 クリエータの仕事探しのリアルがわかります。

 

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 というわけで、10回に渡ってクリエイターをめざす心がまえを説明したわけですが、早くも心が折れそうなアナタ・ワタシも多いことでしょう。

 そこで、講座の後編では、もうすこし目標レベルを下げて、

 「ふつうの仕事を持っている社会人が(つまり、ふつうの人が)」

 「プロを目指すのではなく、趣味+アルファくらいの領域で」

 「何か創作的なこと、クリエイティブなことを実践してゆく」

 「そして、できればその活動が社会的にちょっとだけ認知されたら嬉しいな」

 ぐらいの「ハイアマチュア~セミプロ」ぐらいのクリエータ像を想定して話をしてゆこうと思っています。

 実際の演習も交えていきますので、「自分もド素人として、参加してみたい!」という方はぜひ手を挙げてみてください。必ず、あなたも上に書いたくらいのレベルまでは到達できると思います。

 題して、「松尾バイトのクリエイター養成ゼミ」みたいな感じですね。


☆この講座では、読者のみなさんからの素朴な質問などもお待ちしています。可能な限り、何らかの回答をしてゆきたいと思っています。




 では次回をお楽しみに!

2013年7月31日水曜日

【松尾バイトの「クリエータ入門講座」9】 売れるクリエータと売れないクリエータの違いとは?


こんにちは


 今日、ダイヤモンドオンラインを読んでいたら、面白い記事があったのでご紹介します。


 (ふだんの私は、ビジネスマンなので、ビジネス記事だって読みます)


 

 「認められたい私、認めてくれない社会 ~承認不安時代の生き方~」


 http://diamond.jp/articles/-/39524


 梅田カズヒコさんという方が書いておられる連載の第一回ですが、「若者の行動原理は『認められたい』という承認欲求にある、というところから話がはじまります(^^





 私の「クリエータ入門講座」で扱っているテーマも、実は「創作者として、いかに認められるか」という話ですから、根っこの部分では繋がっているのではないでしょうか?


 

 ちょっと、穿った見方をすれば、昨今の若い人たちの創作欲求の根っこにも、「実際の社会生活で認められないから、せめて創作活動のジャンルで立ち位置を生み出したい!」という気持ちを抱いている方も、実は多いのではないかと思います。


 このあたりは、深層心理的に、けっこうシビアです。そして、現実問題として、「ふだんの生活からの逃避の先に、創作があるのであれば、そりゃ創作活動でも結果は出ないわな」と苦笑せざるを得ないところがあるというか・・・。


 ごめんなさい。私は既に40近いおっさんなので、どうしても手厳しい言い方・見方をしてしまいますね(^^;許して下さい。




 さて、梅田さんの記事に戻ります。ひと昔前までは「何かを手に入れたい」という欲求が自己承認欲求と端的に結びついていました。


 たとえば、わかりやすいのが「いい車に乗りたい・いいブランドのバッグがほしい」というヤツです。


 いい車を手に入れる、ということが、社会的に認知され、かっこいいと認められた時代は、「いい車を持っているから、俺はすごいんだ」ということが成り立ちました。ブランドの服を着ているから、「あたしはイケてる」というのも同じです。


 ところが、モノがあふれるようになり、モノ中心の価値観が崩壊すると「いいモノを持っているから、認められるべき人間である」とは、回りから思ってもらえなくなります。


 したがって、「認められる」ための新たな基準や、価値尺度が必要になるわけですが、これだけ価値観が多様化してくると、何を持って「認められる」のかもわからなくなってきます。



 実際問題、現代の若者はその尺度を求めてさまよっていると言っていいでしょう。


 いいねの数だとか、リツートの数だとか、SNSにいろいろベタベタ貼るとか、みんな彷徨ってます(笑)



 

 この連載のテーマも、「何者でもないワタシ・アナタが何者かになるための方法」ですから、みなさんの価値尺度探しの旅の一助になっているわけでもあります。そして、クリエータとして、何かを残す、というのは、立派な「認められる」ための価値基準のひとつです。






 さて、先日「認められる」ことには段階がある、として3つのステップのお話をしました。梅田さんの記事によると、今度は段階ではなく、範囲もあるそうです。



 ①家族や親しい人たちに「認められる」こと


 ②ルールによって役割を与えられたグループの中で「認められる」こと


 ③世間一般から「認められる」こと



 この間お話をした、「クラスタ内で認められる」「社会で誰からも認められる」というレベルの話ともまろやかにリンクしているところがありますが、今回の①~③の分類は、自分の身近なところから社会生活へ向かって、広がっていくイメージですね。


 梅田さんの記事は、今後このあたりを社会的側面から考察なさると思いますが、私も楽しみに読み進めようと思っています。






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さて、もうひとネタ。


 今度は少し古めの「女性自身」さんのネット記事から。これも面白いです。



 お笑い事務所の講師が明かす「売れる芸人」「消える芸人」の境界線。

 http://jisin.jp/serial/%E7%A4%BE%E4%BC%9A%E3%82%B9%E3%83%9D%E3%83%BC%E3%83%84/flash/5160

 

 

 よしもと、サンミュージック、松竹のお笑い事務所講師の方が、それぞれ「3つのポイント」を挙げて下さってます。


 売れる芸人と消える芸人という言葉を、「売れるクリエータ」「消えるクリエータ」と読み替えたらどうなるか!


 今回、全く偶然にこの記事を見つけたのですが、「あれ?この話、このクリエータ講座で説明したぞ?」ということが意外に多いように思います。



<よしもとNSC講師の方>


①必要なのは99パーセントの素質と1パーセントの努力

②一方通行ではなく、誰のためにやっているかを認識

③ウケない理由を自分で分析できること


 誰のためにやっているかを認識せよ!ということは、この講座の第8回で説明しています。


 新しくでてきたポイントとしては、3番の「なぜ自分が世に出ていないか」を客観的に分析できることが大事です。


 同じように同人活動をやっていたり、zineを出していたり、いろんな創作的活動をやっているのに、Aさんは何がしかの成果を出していて、アナタ・ワタシは成果が出ていないとします。


 その違いがわかる人は、成長します。でも、たいていの人にはその違いがわかりません。クリエータ初心者のみなさんは、「そんなんわからない」で全然かまいません。


 ただし、わからなくてもいいですが、成果を出している人から目をそむけないでください。目を背けてそうした人たちの存在を無視したとき、安西先生風に言えば「そこで、試合終了」です。


 なので、成果を出している人たちをよく観察して、自分との違いを発見するプロセスに意義があります。その間に、おそらく自分のしょうもない小さなプライドと向き合わざるを得ず、苦悩するでしょう。


 その苦悩を乗り越えられたら、「違いがおのずと見えてくる」のです。



 

<サンミュージックの方>


①とにかくマメであること

②努力+大物を?む要領のよさ

③バイト先で社員に勧誘される人




 3番の「バイト先で社員に勧誘される」はいつも言っていることです。ふだんの仕事で頑張れる人は、創作活動でも頑張れる、というヤツです。ジャンルは違っても、「力を発揮できる」体制をとっているからです。


 1番と2番は、言い方を代えれば、「いい営業マンになれるよね」ということです。




<松竹芸能スクールの方>


①ファーストインパクトの強さ

②得意ジャンルのスペシャリスト

③自分を客観的に見られる人




 1番と2番は、特殊で一部の人しか身につけられないかもしれません。そういう意味では万人向けではないです。しかし、3番は万人に共通しています。


 よしもとの方が③で言っていることと同じです。





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☆この講座では、読者のみなさんからの素朴な質問などもお待ちしています。可能な限り、何らかの回答をしてゆきたいと思っています。





 では次回をお楽しみに!


2013年7月29日月曜日

【松尾バイトの「クリエータ入門講座」8】 あなたの作品は誰のためのもの?



みなさんこんにちは。

私はふだん、普通の会社勤めをしています。その休日やら、帰宅後の時間を利用して創作に関わる活動をしているのですが、忙しい時は、少しの時間も惜しんで何かを進める、ということもあります。

特にこの夏は忙しくて、公的なイベントに呼ばれて講師をしたり、私的なグループの方に招かれてレッスンめいたことをしたり、とバタバタしていました。ま た、合間を縫うように次のステップの打ち合わせをすることも多く、気がつけば日曜日はかならず何かしらクリエイティブな活動を組み込んでいる、ということ になっていました。

というわけで、来月からはちょっと休みます(^^ イベントの入れすぎはダメですね。


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さて、これまで「松尾バイト」としてはあまりたいした活動をしてきませんでしたが、いよいよZINE作りや手作り本関係のイベントが実施できそうなので、その進行具合もレポートできれば面白いですね。

どうやって創作活動が進んでいくのか、という裏話をしてゆくつもりです。


今回、「本作り」イベントを実施するに当たっては、事前に公的施設のイベント担当の方といかに四方山話をしておくか、というところがスタートになります。

もちろん、私は音楽関係のイベント講師として担当の方にお会いして、そちらの準備を進めてきているわけです。その際に、「この施設ではどういう企画が求められているのか」ということをリサーチします。

今回は音楽系イベント講師として参入しているけれど、別のネタでもこの施設と関わることができそうかどうか、ということを事前に考えているわけです。

そこで、担当者さんの意向や、施設全体のイベント企画・戦略を尋ねてゆく中で、「あ、これはコラボできそう」というネタがあれば、資料とサンプルを持参して「私はこういうのもやってるので、もしそちらの企画と合いそうなら使ってね!」という話をするわけです。

没になることもあるし、採用されることもある。しかし、種をまいておけば、直接その施設とは関係なくても、別の関係者の方から「うちでやってみたい!」というオファーをもらうこともあるわけです。


そういう人づてのつながりで、私はこれまで5つくらいの公的施設でイベントを実施することができました。ちなみにすべて、そうした公的施設さんが主催のイベントに招かれていますので、施設を借りて私が勝手に実施しているわけではない、というところがポイントです。

その施設の方が「こういうイベントを実施したい!」というイメージをもっておられて、その実現のお手伝いをしているわけですね。



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今書いたような動きは、ひとことで言えば「営業」をする、ということです。クリエータを目指す方の中には「自分は職人であって、営業なんてできない、嫌だ」と思っておられる方がいるかもしれません。

しかし、初期の段階で申し添えておきますが、営業ができないクリエータは、生き残るのが厳しいと言わざるを得ません。

昔は、職人でも成立したところがあって、それは大手の出版社などでは、「編集者」ががっちりついてくれたり、育ててくれたりするシステムがあったからです。

しかし、最近はそうした余力も企業側にないので、「即戦力であって、それを的確にプレゼンできる人材」が優先的に目に留まってくるのは仕方ありません。


プレゼン能力とは、youtube動画でカウント数を獲ってくる力であったり、コンテストで有力者の目に留まる力であったり、あるいは「いいね!」の数として評価されることもあります。

しかし、「ふつうのクリエータが数万回の再生回数やいいねをもらえる」というのも非現実的なので、現実的には「人脈・人づて」を生かして仕事や作品につなげていくのが日々だと思います。

つまり、コミュニケーション能力や営業能力が、あなたの作品作りの基幹部分に食い込んでくるわけです。それが厳しければ、やっぱり大手企業の「編集者に発見してもらう」以外に、創作活動だけで食べていくのは難しいと言わざるを得ないでしょう。

(あるいは、デザイン事務所に入るとか、印刷会社のそうした部門で働くとか、ゲーム会社に就職するとか、いわゆるひとつの企業人として生きていくかです。その場合、社内でもっとコミュニケーション能力が必要とされますが)


時には、飛び込み営業をすることも必要です。これは、昔から小説や漫画の世界では「持ち込み」なんて呼ばれたりしました。

結局、創作活動も、企業活動も、それを仕事としてきちんと動かしてゆくということは「同じことをする」わけです。

だから、これまでの講座でもいろんな方が言っていたように、「ふだんの仕事がきちんとできない者に、創作活動がうまくできるはずがない」という部分に繋がってくるのです。



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<今日のワンポイントアドバイス>

あなたの創作物は「誰のための作品」でしょうか?その作品は、誰のために作られているものですか?

本だったら、「読んで欲しい読者層」というターゲットはいますか?

絵だったら「その絵を気に入ってくれそうなジャンルの人たち」を想定していますか?


直接的な「相手」だけでなく、間接的な相手も存在します。たとえば、今日説明したようなイベントを実施する場合、最終的にイベントに参加してくださるお客 さんだけでなく、そのイベントを企画したり実施したりする主催者さんにとっても意義のあるものかどうか、自問自答することが必要です。

その場合、あなたの創作物の相手は2者存在することになります。参加してくださるお客さんと、主催者のみなさん。その両者にきちんと向き合っているでしょうか?


たいていの初心者クリエータは「自分が作りたいものを作る」なんてことを言います。もちろん、ただの素人であれば、それで全く問題ありません。自分が作りたいものを自分で勝手に作ればいいんです。

ただし、それを他者に提供したり、他者と共有する場合には「相手が参加して喜ぶものを作る」べきです。それがプロを目指す第一歩だからです。



☆この講座では、読者のみなさんからの素朴な質問などもお待ちしています。可能な限り、何らかの回答をしてゆきたいと思っています。




では次回をお楽しみに!